摘要：色彩是构成绘画的基本要素之一。在漫长的古典绘画史中，色彩通常作为媒介存在于绘画作品中，是形式的重要组成部分；在当代艺术中，色彩的重要性被突出了，有些甚至可以独立成为作品的主题。该文作者通过梳理色彩运用的历史，从传统到现代，从生产到运用，横向对比中外艺术发展中色彩的异同，并立足当下，服务高校艺术教学，以期为色彩课程的创新提供助力。

关键词：色彩,文化现象,教学

色彩作为绘画艺术重要的表现形式，其地位和重要性随着历史的发展逐渐加强。因此，若想深入了解色彩的属性，探讨其蕴含的文化语言，就要从色彩的载体——颜料开始。

一、传统色彩的认知新域

传统色彩即古代绘画所用的色彩有着悠久的历史，它是经典作品的构成者，也是辉煌文化的传承者。对待传统色彩，笔者认为可以从两个维度加以分析：一是材料，二是手法。此外，早期中西文明对色彩在取材、运用上的差异造就了不同的绘画风格，对后来的艺术及其理论的发展影响深远。

1.早期人类文明对色彩的运用

色彩源于自然，而早期色彩的载体——颜料同样源于自然。我国先民很早就已熟练掌握植物取色、物质借色等方法。如棕色，我国先民用栗子壳、花生皮等材料染棕；古印度人使用儿茶染棕，当加入铁作为媒染剂时，可以得到橄榄棕；而印第安人则用黑胡桃染出近似黑色的深棕^[1]。

到了新石器时代，火的发现和使用，促进了人类对自然物质转化的探索和使用。如，各种沉积的土木附在陶坯表面，经火的灼烧呈现出不同的陶纹和色彩，故而彩陶应运而生。以中国的彩陶为例，我国先民用赤铁矿粉，即赭石、氧化锰等作为呈色元素，在陶坯的表面描绘图案，经窑火烧制成赭红、黑色等颜色的彩陶。这是人类较早使用化学方法创造和使用色彩的记录^[2]。上古时期，陶器因人们生活运用方面的需求，往往更注重器型，而在器型上的装饰性图案和红、黑等色彩慢慢引起人类对色彩的感知。到了后期，颜色的渲染在一定程度上甚至超过了功能的重要性。夏商周时期，陶器上的色彩开始丰富起来。战国、秦汉时期出土了大量以彩绘云雷纹和涡纹为主要特色的陶器；东汉时期出现了黄褐色低温铅釉；唐代陶器辉煌璀璨，唐三彩的釉彩有黄、绿、蓝、白、紫、褐等色，其绚丽斑斓的艺术效果在中国陶瓷史上留下了浓墨重彩的一笔；宋、金、元时期的陶器更富民族色彩，有以海棠、菱形、四方等为装饰的陶器，体现出对前人的继承和发展。

2.中国传统绘画中的色彩

中国壁画的起源可以追溯到黄帝时代。其颜料的取材大部分来源于自然，主要分为矿物颜料和植物颜料，两者经过特定的处理手法，加工、提纯后就成了绘画创作的重要媒介。用这种方式得来的颜料色彩古朴清新，自然淡雅。如，蓝色在中国传统色彩中的使用已有逾三千年的历史。古代汉语中，“蓝”字原非颜色词，其本义是指一种可染布帛的植物，即蓝草。其后，“蓝”字演变成颜色的代名词，进而引申为一种色系。如，《中国颜色》中就记载了庞大、系统的蓝色体系，包含靛蓝、吴须蓝、青花蓝、湛蓝、群青、石青、景泰蓝、绀色、孔雀蓝、琉璃蓝、阴丹士林、霁色、天青、缥色、秘色等。不同颜料的配方不尽相同，它们的存在极大地增强了传统绘画的表现力。

传统色彩的设色手法对色彩的最终呈现作用巨大。在传统绘画中，设色的方法大体可分为三种：水墨、浅绛和重彩。其中，水墨根据墨色的深浅将黑分为“五色”，即焦（最黑）、浓（次黑）、重、淡（灰色）、清（淡灰）。在水墨作品中，浓淡墨代替了色彩，用以表现物体的明暗、远近和色调。浅绛又名淡彩，或称“轻着色”。这类设色作品多画在生宣纸或半熟宣纸上，常用藤黄、花責、胭脂、曙红、赭石等色，其特征是笔墨水韵，基本上依靠墨色表现形体，墨色上足后淡染色彩，画面色调比较单纯，擅长表现中国文化中特有的清新、淡雅的审美意境。重彩，或称“大着色”，指用石青、石绿、石黄、朱砂、胭脂、铅粉、泥金等颜料，在熟绢或熟宣纸上用勾填的方法，以勾勒为基础而后填色，或以彩笔取代墨笔直接挥抒。这类作品往往色彩艳丽，富丽辉煌。

重彩在中国画早期阶段占有重要位置。但随着文人画的勃兴，恬淡幽雅、潇散空灵的格调意境逐步占据上风，重彩开始受到冷落，其地位不如水墨和浅绛。直至近代，受西方绘画艺术的影响，人们的艺术认知、评价标准发生了变化，这为重彩的繁荣和复兴提供了有利的契机。

3.西方传统绘画中的色彩

西方绘画早期对色彩的探索不如我国。无论是古风时期的彩陶、希腊化时代的古墓壁画，还是古罗马早期的镶嵌画，其色彩都偏重于还原人体、动物本身的颜色和客体在光影下的明暗变化，用以体现对象的真实感、立体感和空间的层次感。古罗马的风景画对自然色彩的运用略显单调，但已经能够通过色彩渐变表现客体的光影细节，这为后来西方绘画理论的形成和发展奠定了基础。到了文艺复兴时期，油画艺术趋于成熟，色彩与构图、形体一起，被用于探索更好、更理性的画面，使作品拥有既富个性又不失和谐的视觉效果。

真正的突破出现在16世纪中叶，牛顿通过棱镜光谱实验，为现代光学奠定了理论基础。人们发现色彩与光之间的联系——色彩因光而存在，它是不同折射率的光线反射在物体表面造成的视觉传达效果。自此，基督教的色彩观开始让位于日益演进的科学色彩观，一些印象派画家以此为理论，在观察过程中发展出诸多色彩的运用方法，如物体暗部互补色的应用、投影部分蓝紫色调的运用等。艺术家根据光线的变化而赋色，用小的鲜艳色块表现温度的变化，以此捕捉室外景色生动的光感^[3]。到了印象派后期，艺术家对色彩的运用更加随心所欲，如，凡·高、高更等开始探索用于表达主观情绪的个人主义的色彩。

到了19世纪，随着装饰艺术等流派的兴起，色彩的重要性进一步增强。得益于当时在光学、色彩等领域的一些科学发现，一种实用的色彩模式开始出现，标准的色环被发明，一些色彩理论被沿用至今。

4.传统色彩的局限

传统色彩对艺术的贡献不言而喻，不论是东方还是西方，艺术家对色彩的运用都秉持“艺术源于生活而高于生活”的至理真言，将生活中的颜色经过再创造，变成画面中定格的直观视觉因素，传递直接的观赏感受。

色彩是绘画的语言，不同的色彩组合产生了不同的美感。中西方传统绘画艺术中的色彩差异、色彩组合的差异代表了不同民族的传统文化，体现出不同的审美情趣。不可否认的是，在艺术表达中，色彩的重要性虽然增强，甚至形成了系统的色彩理论，但仍有一定程度的局限性。如，色彩仅作为绘画表达的一种媒材，与线条、构图等形式共同构成了内容，但色彩尚未被单独作为独立构成的艺术品。也就是说，艺术家研究色彩的目的和手法，仍然是将色彩当作物体的一种可被观察到的外在属性，结合光学理论，进行对客观现实的还原、塑造和表现——这一情况持续至20世纪现代艺术的出现。

二、了解色彩，理解色彩

现代艺术又称现代派艺术，往往很难有一个准确的定义。但大致来说，被称为“现代主义”或“现代派”的艺术，是指20世纪以来区别于传统、带有前卫和先锋色彩的各种艺术思潮和流派的总称，主要包括野兽主义、立体主义、未来主义、表现主义、俄国至上主义与构成主义、荷兰风格派、达达主义、超现实主义、抽象主义、波普艺术等^[4]。由于种类繁多且不尽相同，文章不再一一赘述各派风格的差异。但不同的流派仍有一些共同特征，即现代派艺术家不再局限于古典美术在形式和内容上的束缚，旨在打破常规、标新立异，从性质、样貌这些基本的元素开始，寻找并激活色彩本身的原始特性。色彩——作为独立媒介、多元化表达方式的途径——崭新的认知被打开。

1.现代艺术与色彩的转译密码

在19世纪末至20世纪初的色彩实验中，艺术家开始探索色彩作为纯粹而实在的存在。当艺术形式的纯粹化、抽象化被用于色彩，一系列前卫、纯粹的色彩作品应运而生。在色彩的构成中，以点、线、面及色彩等组构的方式形成一系列画面，是破解绘画中色块密码的基本手法。在这群人中，荷兰艺术家蒙德里安和美国艺术家马克·罗斯科的贡献最为卓越，并被大众熟知。

（1）蒙德里安的三原色与点线面

作为几何抽象画派的先驱，蒙德里安在1913年开始了对色彩的实验。在蒙德里安的艺术理论中，他强调作品的“纯粹实在”和“纯粹造型”，从而使造型表现手法简单，形状和色彩保持相对的平衡与统一。1917年，《色彩平面构成·三号》是蒙德里安第一幅真正意义上以“新造型主义”表现方式创作的作品。这幅作品中完全不见任何自然的外在形式，留下的是色块（和）矩形，仅凭形式与色彩的相互作用在画面上形成画面主体，从而营造了一种和谐之感。1921年，蒙德里安发表了题为《造型艺术与纯粹造型艺术》的文章，标志着其抽象派艺术理论的确立，而他多次提到的“抽象艺术的首要和基本的规律是艺术的平衡”这一原则在同一时期的作品中被付诸实践。如作品《红、黄、蓝的构成》，颜色与节奏感凌驾于几何结构之上，线条超出了画布的界限，视觉上有向外延伸的效果；除线条本身比以往更粗，颜色也从黑色改为蓝灰色外，画面着重凸显了红、黄、蓝、黑色块，而且饱和度更高，画面更明亮，以此体现色彩的稳定与平衡。

（2）罗斯科的矩形色块

马克·罗斯科的人生曲折起伏，而他在现代艺术界地位的确立要到20世纪90年代，并伴随着其理论著作《艺术哲学：艺术家的真实》（2004）的整理出版达到了巅峰。罗斯科的早期创作受抽象主义的影响，并未跳脱自然形象的束缚。直至1949年，他放弃既有的造型习惯，开始画一些大幅矩形作品，这些作品画面单纯，色彩重叠，边缘模糊，将其艺术事业推向了顶峰。这些作品对色调的运用独具匠心，艺术家通常自己调颜色，再在未打底色的画布上，如剧院道具设计师一般，先薄涂一层已混合着颜色的固着剂，然后涂上油彩，上彩的范围还包括没有框架的边缘部分。在这“三度空间”的底色上，罗斯科运用混合色重复薄涂颜料，这一过程为他的画作带来了透明和明亮的效果，每一层颜色都运用了非常淡而快速的笔触，色彩的边缘交界处透露着朦胧之美。

罗斯科作品的色彩是具有象征意义的。他探索了多层色彩变换的可能性，提升了色彩在情感表现方面的强度，使作品拥有类似奏鸣曲般的感染力。

2.跟随大师玩转色彩

如果说现代艺术艺术家喜欢颜色、喜欢色彩，那么这种基本和常见的转译方法就是通过解构色彩、重构色彩，从而带来新的颜色体验感。到了当代，艺术家已经不再满足于架上艺术相对固定的表现形式，而是乐此不疲地探索色彩在公共艺术、装置艺术、场景表演等跨界领域的表现力，并收获了不少卓越的成果。澳大利亚艺术家贝特森在其《重叠的黑色线形结构I，II，III》（2017）中，尝试用一种“黑色”阐述事实或者自己的认知，画面平面式的黑色直铺充斥着一种浓厚的压迫感。威尔玛·塔巴科在代表作《试飞1-6》中，用金箔作为媒材进行系列创作。作为金属色系的艺术作品，该作品画面颜色单一，色系统一，基本以棕、灰、银色的色块拼凑，将形状的想象、构成的无限完美地结合。丹麦公共艺术家埃利亚松擅长通过对光影的掌控表达色彩，他在装置艺术作品《一种颜色的空间》（1997）中，表现了黄色单频灯这一表达手法的魅力。在只有单一黄光的房间内，观众能够看到有色彩的物品，而当黄色灯光消失后，观众能看到的色彩范围缩小到只有白色和黑色。这种打破常理的视觉反差带给观众看事物的全新角度，表现了更为丰富多彩的世界。

三、认识色彩，玩转色彩

在漫长的色彩发展史中，无论是历史由来还是中外分说，色彩的自然生发和人工创作都给人们的生活带来了重要的影响。有了前人的经验，辅以当代艺术家的不断努力，色彩在当今的艺术领域呈现出举足轻重的影响力。在当下的艺术类基础课程中，艺术教育工作者需要设计出新的教学方案，让学生领悟色彩构成在学习和艺术创作中的重要性。

1.观色彩，认色彩

色彩通过点、线、面的无限组合，呈现出极简和构成的错落感、层次感。要想深刻理解和熟练表达，首先要对色彩的基本分类和属性有清晰明了的认知。对于色彩的分类，可以通过该色彩是隶属于无彩色系还是有彩色系加以区分。值得注意的是，无彩色并不一定意味着没有颜色，黑、白、灰三色都隶属于无彩色系。黑、白、灰是一种特殊的三色，运用好坏与它们的配色有直接关系。除黑、白、灰三色外，其余的色彩都属于有彩色系。分清色彩的色系之后，就可以对现有的色彩进行分类和归纳。教师要注重培养学生的色彩敏感度，让学生从发现色彩到熟悉色彩，在掌握相关色彩规律后运用色彩，提升艺术作品的表现力。

2.画色彩，悟色彩

色彩课程作为造型基础课程中的重要课程之一，主要包括色彩理论阐述、色彩基本技能运用以及色彩生活化设计、色彩普适性运用等。在课堂教学中，教师要引导学生理解色彩的规律，尽可能地拆解色彩，并融入自己的想法或尝试，最后将各种元素组合和拼接。

（1）再现色彩表达

在了解色彩画作的同时，教师可以从色彩的基本属性出发，通过拆解一系列经典作品，再现其色彩表达，即“画色彩”。具体做法如下：第一步，用划区域的方式作画，以整体色彩色调倾向为出发点，重点以色块、色面的方式将画面进行区块划分；第二步，将画面中的色彩细节用色点进行局部符号标识，用整体色构的方式将画面抽象化；第三步，裁剪，然后根据色阶、色系的类别重组，得出一种新的渐变色块马赛克。通过这种方式将色彩画作进行解译，目的是单纯从色彩的角度了解创作者的心理感受和想要传达的情绪。

（2）领悟色彩规律

在熟练拆解色彩，充分了解色彩与情绪表达的内在联系之后，学生要尝试自主领悟色彩表达的相关规律。仍从经典作品入手，具体做法是如实描摹色彩画面，提取画面主要元素或者分解画面的内容和底稿，区分画面的主次，用色卡的方式提取主要画面元素、内容和底稿色系，然后排列色卡，得出画面主要色系倾向，观察在同一色系下，不同色彩属性的内在联系，领悟相关规律。

“画色彩，悟色彩”的主要出发点是快速解读画面内容后，分析创作者的情怀、创作意境，学习色彩的表达技巧，领悟色彩本身的阐述力。理性地认知色彩能够帮助教育工作者在日后的教学、创作中，更好地设计色彩，完成色彩作品。

3.裁切得新作

与“画色彩、悟色彩”的途径一致，在了解了色彩的基本属性、创作意图之后，再进行艺术习作或创作时，就如同站在了巨人的肩膀上。这个感受如同参观完优质的展览，用共情传达某种高级的理解。如，有规律地裁切一幅作品中的主要元素，提取画面底色或底稿的色块及构成，然后根据画面内容构成元素的主要色彩特征、画面底稿的色彩特征等，发挥个体的主观能动性，重新组成一系列画作，最终得出与原作风格相似的系列抽象画。

笔者在教学实践中，尝试提取毕加索名作《三个舞者》画面中的主要元素，连同画面的底稿和内容，用不规则的裁剪方式提取下来，再根据画面的色彩性质，添加不同的新元素，大胆地破坏画面，先破后立，重构全新的画面，最终得到一幅能带给观者不同观感的新作品。

4.小结

观察架上绘画的途径是有意义的，普通人也可以学着像大师一样“玩”色彩。这个跨越可以让学生在教师的引导下，学习、领悟前人经验，借助自然界的物质构成自己的画面色彩。如，坦培拉混合画法就是将各种油脂与亚麻仁油等混合，再加入天然颜色，调和成绘画媒材。教师要鼓励学生在色彩上尝试自主创新，结合生活中可取的媒材，如茶渍黄、咖啡棕、泥土灰、沥青黑，或者一些植物色，如栀子黄、姜黄、石榴红、洋葱等生叶、鲜花、柘木等，将自然物质与媒染剂、固色剂等调和，创造出满足自己创作需要的色彩，最大化探索色彩的表达力。

参考文献：

[1]谷雨，郭大泽.恋恋植物染：与四季的美好相遇[M].桂林：广西美术出版社，2016：14.

[2]郭廉夫，郭渊.中国色彩简史[M].重庆：重庆大学出版社，2010：31.

[3]生敏.中西方绘画中的色彩差异[J].艺海，2020（6）：72-73.

[4]李春.西方美术史教程[M].西安：陕西人民美术出版社，2002：401-415.